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A   Lipsia   esiste   un   manoscritto   del   XV   secolo   dove   si   legge   la   parola  ”  sinfonia  ”   sopra   un   brano   ”  per   tuba   ed   altri   strumenti   armonici  ”.   La   stessa   parola   dopo   questa   prima   volta,   si   ritrova   in   Luca   Marenzio,   uno   dei   più   famosi   compositori   della   sua   epoca,  definito   ”  il   dolcissimo   cigno   italiano  ”.

da   Wikipedia

Egli   chiama   ”  sinfonie  ”   alcuni   intermezzi   strumentali   inseriti   in   opere   vocali,   apparse   nel   1589.   Anche   altri   maestri   del   XVII   secolo   usarono   tale   parola   per   indicare   composizioni   musicali.   Ad   esempio   Salomone   Rossi    ,   che    si   autodefiniva   l’ ebreo ,   e   di   cui   nulla   sappiamo   se   non   del   periodo   in   cui   servì   come   violinista   alla   corte   di   Mantova   dal   1587   al   1628 ,   pubblicò   nel   1607   un   volume   di   composizioni   strumentali   che  chiamò   ”  Sinfonie   e   Gagliarde  ”.    Il   significato   di   questo   secondo   termine   è   chiaro  :   così   si   chiama   una   danza,   detta   anche   ”  gaillarde  ”,   per   lo   più   allegra   che   nella   suite   seguiva   una   danza   in   tono   molto   solenne  o   una   pavana   ( La   pavana   è   una   danza  di   corte   in   metro   binario   e   di   andamento   moderato,   che   sostituì   nel   primo   quarto   del   XVI   secolo   la  bassadanza   e   che   ebbe   il   suo   periodo   di   splendore   nel   XVI  e   XVII   secolo e   anche   nel   XVIII   secolo.   La   pavana   è    la    danza    aristocratica    per   eccellenza   e  trionfa   in   tutte   le   corti   italiane   ed   europee:   si   tratta   di   una  sorta   di   passeggiata   cerimoniale,   cui   è   affidata   l’apertura   di   ogni   ballo   di   corte   e   può   persino accompagnare   l’ingresso   della   sposa  in   chiesa.  WIKIPEDIA )

Comunque   il   concetto   di   ”   sinfonia  ”   si   identifica   ancora   con   quello   di   semplice   brano   strumentale.    Si   tratta   di   brani   che   vengono   catalogati   come   antenati   della  ” sonata  ” .   In   seguito   dal   punto   di   vista   formale   esse   avranno   molte   cose   in   comune   ma   già   dai   loro   albori   sono   quindi   strettamente   legate.

Contemporaneo   di   Rossi,   fu   Biagio   Marini.    –  ( Compositore   e   violinista, nato a Brescia prima del 1597, morto a Venezia nel 1665. Probabilmente allievo di C. Monteverdi, fu, dal 1615 al 1618, violinista della cappella di San Marco. Nel 1620 è a Brescia, alla chiesa di S. Eufemia, nel 1622 alla corte di Parma e dal 1623 al 1645 al servizio del conte Palatino di Neuburg e Düsseldorf, nel quale tempo gli vengono largite lettere di nobiltà e la dignità di consigliere di camera. Più tardi lo troviamo a Ferrara e a Milano. È il primo violinista che si sia fatto un nome anche quale compositore di musica strumentale da camera. Si deve a lui la più antica Sonata “a violino solo” (pubblicata nel 1617), nella quale il violino è trattato polifonicamente e non ha bisogno di uno strumento accompagnatore.   di Fausto Torrefranca – Enciclopedia Italiana (1934) )

Svolse   la   sua   attività   presso   corti   principesche   italiane   e   tedesche   e   può   forse   essere   designato   come   il   primo   virtuoso   di   violino   e   autore   di   musiche   per   tale   strumento.   Il   suo   ” opus  I  ”   del   1617,   include   una   ”   sinfonia   breve  ”   e   il   suo   secondo   lavoro   porta   il  titolo   di   ”  Madrigali   e   Sinfonie”  ,   il   che   vuol   dire   semplicemente   che   trattasi   di   brani   in   parte   vocali   e   in   parte   strumentali.   Nella   storia   degli   albori   della   sinfonia,   si   potrebbe   anche   includere   ”   le   Sinfonie   Ecclesiastiche  ”   del   celebre   Adriano   Banchieri   .

”   Il compositore teorico e letterato Adriano Banchieri nacque a Bologna nel 1568.

Fattosi monaco olivetano, si dedicò assiduamente allo studio della teoria musicale e delle liriche, introducendo l’uso delle stanghette divisorie delle battute musicali nelle partiture di composizioni vocali e inventando, insieme con Orazio Vecchi, il cosiddetto “madrigale drammatico”, su soggetti comici.

Fu organista a Lucca e fondatore dell’Accademia dei Floridi. Fra i suoi trattati teorici vanno ricordate le Conclusioni, un’analisi degli strumenti, del tipo di musica e del ruolo dei musici nel suo tempo, e l’Organo suonarino, del 1605.

Tra i ‘madrigali drammatici’ risaltano invece Il festino della sera del giovedì grasso (1609), La pazzia senile (1598) e La saviezza giovanile (1607).

Per quanto riguarda la musica sacra da lui composta, sono giunti fino a noi i Concerti Ecclesiastici (1595) e una Messa solenne (1599) a 8 voci.

Da un punto di vista strettamente letterario di Banchieri è famoso il Cacasenno, in seguito aggiunto al Bertoldo e Bertoldino di Giulio Cesare Croce.

Morì a Bologna nel 1634.  ”

Note biografiche a cura di Maria Agostinelli.    (   http://www.liberliber.it   )

 

 

 

Ascoltando   le   ‘‘   Sinfonie   ecclesiastiche  ”,   constatiamo   come   nell’accezione   dell’epoca   il   significato   della   parola   ”   sinfonia  ”   fosse   più   o   meno   quello   di   ”   pezzo   per   strumenti  ”  ;   nello   stesso   senso   erano   usati   i   termini   ”  sonata  ”   e   ”  toccata  ”,   entrambi   di   identica   origine,   perché   sia   l’uno   che   l’altro   termine   stanno   a   significare   semplicemente   ”   brano   da   suonare  ”   e   quindi   musica   strumentale,   contrapposta   a   ”   cantata  ”,   cioè   musica   vocale.   A   tale   proposito   va   notato   che   i   compositori   italiani   d’ opera   del   XIX   secolo,   Rossini,   Donizetti,   Bellini   e   perfino   Verdi ,   chiamavano   sempre   e   comunque   sinfonie   i   brani   introduttivi   dei   loro   lavori   teatrali   (   che   altrove   da   lungo   tempo   erano   definiti   ouvertures   o   Vorspiele  )   e   ciò   in   un   periodo   in   cui   tale   parola   aveva   ormai   acquistato   nella   morfologia   musicale,   un   ben   preciso   significato.

La   sinfonia,   quale   oggi   la   intendiamo,   andò   prendendo   forma   solo   intorno  ala   metà   del   XVIII   secolo.   Coloro   che   per   primi   se   ne   servirono   sono   quasi   sconosciuti   al   grande   pubblico   e   di   essi   si   occupano   ormai   solo   gli   studiosi.   Ben   presto   però   si   formò   quella   che   si   potrebbe   definire   la   prima   ”  generazione   di   classici  ”,   i   primi   cioè   compiuti   creatori  :   Haydn   e   Mozart,   con   mezzi   incredibilmente   poveri,   costruirono   un   nuovo   edificio    sonoro.   In   poche   decine   d’anni   si   giunse   al   titano   che   mandò   in   frantumi   le   norme   da   poco   stabilite,   per   trasformare   in   musica   le   esperienze   del   proprio   cuore   :   Beethoven,   di   cui   racconto   qualcosina   in   altri   miei   post.  Poco   dopo   Schubert ,   un   giovane   del   tutto   inadatto   alla   vita,   solo   e   senza   appoggi,   saprà   trasfondere   nelle   sue   melodie   i   dolori   ineffabili   e   le   lacrime   non   piante.

 

 

 

A   questo    punto   la   sinfonia   diviene   specchio   del   periodo   romantico,   del   secolo   XIX,   col   quale   giungerà   a   termine   un   lungo   periodo   storico  :   sorgerà   una   nuova   era,   i   cui  principi,   la   cui   tecnica,   il   cui   spirito   di   collettivismo,   il   cui   materialismo   apriranno   orizzonti   assolutamente   nuovi   al   regno   dell’arte.

La   sinfonia,   riflette   gli   slanci   romantici,   i   dissidi   dell’anima,   la   profonda   fede   e   il   tacito   dolore;   canta   il   primitivo   contatto   con   la   natura   e   innalza   lo   spirito   verso   mistiche   altezze.   Essa   sviluppa   l’  antica   aspirazione   ad   una   forma   chiara,  quasi   classica,   in   se   stessa   valida,   introducendo   anche   parti   descrittive,   programmatiche,   pittoriche.

 

Fonte   –   Storia   della   musica    La    Sinfonia    –   Kurt   Pahlen

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La   parola   sinfonia   ha   origine   antichissima,   per   quanto   le   si   desse   in   passato   un   significato   del   tutto   diverso   dall’  attuale.   I   greci,   progenitori   della   musica   dell’ occidente,   intendevano   per   ”  sinfonia  ”   ciò   che   noi   oggi   definiamo   ”  consonanza  ”  :   l’emissione    cioè   contemporanea   di   due   o   più   note   che   formino   tra   loro   un   accordo   gradevole   all’ udito .   Nel   Medioevo   troviamo   la   stessa   parola   in   un   trattato   di   Isidoro   di   Siviglia,   vissuto   tra   il   570   e   il   636   circa.   Isidoro   chiama   ”  sinfonia  ”   la   concordanza   di   diversi   suoni,   acuti   e   gravi,   vocali   e   strumentali ;   chiama   ”  sinfonie  ”   anche   i   brani   di   musica   fondati   su   tali   concordanze.

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Allo   stesso   tempo   il   nome   serve   anche   per   indicare   degli   strumenti   :   nell’   antichità   un   tipo   di   tamburo ;   nel   XII   secolo   il   nome   era   usato   per   indicare   la   ghironda,   un   curioso   strumento   caratteristico   dei   musici   vaganti.   Anche   la   cornamusa   è   chiamata   ”  sinfonia   ”   in   molti   antichi   manoscritti.   Solo   in   tempi   più   recenti   il   vocabolo   acquistò   più   o   meno   il   significato   che   ha  oggi  ,   e    passò  ad   indicare   un   brano   musicale   scritto   per   soli   strumenti.   La   musica   strumentale   fiorì   soltanto   sul   finire   del   Medioevo,   un’ epoca   che   aveva   della   musica   una   concezione  del   tutto   diversa   dalla   nostra.   L’  idea   del   concerto   pubblico   era   del   tutto   ignota,   e   soltanto   le   cerimonie   ecclesiastiche   e   le   feste   popolari   lasciavano   campo   alla   musica.   Ma   per   secoli   gli   strumenti   non   poterono   essere   usati   durante   le   funzioni,   perché   la   Chiesa  –   protettrice   della  musica   come   di   tutte   le   arti  –   attribuiva   loro   un   carattere   peccaminoso.

 

The Blind Hurdy Gurdy Player, 1620 - 1630 - Georges de la Tour

The   Blind   Hurdy   Gurdy  Play     –    La   ghironda   in   un   dipinto   di   Georges   de   La   Tour

 

Solo   a   poco   a   poco   poterono   introdursi   nelle   cerimonie,   dapprima   in   posizione   subordinata,   a   sostegno   delle   voci,   e   talvolta   in   loro   sostituzione  ;   in   un   secondo   tempo   prese   piede   l’  uso   di   suonare   brevi   intermezzi   strumentali   per   permettere   ai   cantori   di   riposarsi.   Un   forte   impulso   ricevette   la   musica   strumentale,   nello   stesso   periodo,   dalla   danza.   In   questo   capo   ebbe   una   parte   di   primissimo   piano  e   poté   imporsi   sovrana,   evitando   la   concorrenza   della   sorella   maggiore,   assai   più   sviluppata,   e   cioè   della   musica   vocale.   Poi,   via   via   che   gli   strumenti   si   perfezionavano   e   i   suonatori   diventavano   più   abili,   nella   musica   profana   la   parte   strumentale   si   andò   rendendo   autonoma   dalla   danza,   così   come   nella   musica   di   chiesa   si   era   separata   dal   canto.   Si   aprì   così   per   la   musica   un   nuovo   campo   dagli   orizzonti   sconfinati.

Grande natura morta con strumenti musicali, tappeti, dolciumi, fiori e una piccola scimmia -olio su tela cm. 314 x 217 – datato “1695” – Cremona, Pinacoteca Civica Ala Ponzone

”  Maestro di palazzo Araldi (attivo a Cremona nel 1695)  ”    Per   chi   volesse   ragguagli   su   questo   Maestro   segnalo   questo   link   :   http://www.academia.edu/19539302/Il_Maestro_di_Palazzo_Araldi_Text

 

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Nella   ”  musica   d’arte ”   musica   di   chiesa   e   di   corte,    cominciavano   a   prendere   vita   degli   ”   intermezzi  ”   strumentali,   durante   i   quali   alcuni   strumenti  –   pochi,   agli   inizi  –   eseguivano   brevi   pezzi   indipendenti.

Nella   ”   musica   popolare”   si   svilupparono   danze   la   cui   molteplicità   conferì   in   breve   molta  varietà   alla  musica   strumentale,   soprattutto   grazie   alle   esecuzioni   di   danze  che   avevano    luogo   nei   palazzi;   qui   si   avevano   maggiori   esigenze   di   raffinatezza   e   le   musiche   subivano   un   processo   di   stilizzazione.   Ben   presto   i   musici   di  palazzo    ricevettero   l’incarico   di   colmare   le   pause   tra   le  danze   con   la   musica,   e   come   era   logico,   cominciarono   a   suonare   suites   ricavate   dai   ritmi   delle   danze   stesse,   in   modo   che   gli   ospiti   rimanessero   nell’  atmosfera   leggera   e   piacevole   della   festa,   senza   affaticarsi   intellettualmente.

Ogni   pezzo   della   suite   era   breve,   con   un   unico   tema   musicale   che   veniva   ripetuto   varie   volte   senza   varianti.   Un   principio,   questo,   che   è   proprio   l’opposto  di   quello   della   sinfonia.   Per   giungere   a   ciò   che   s’  intende   oggi   come   sinfonia,   c’è   ancora   un   po’   di   strada   da   fare   ma   soprattutto   occorre   che   si   formi   l’  orchestra.   Nel   prossimo   post   parlerò   dei   precursori   della   sinfonia.

 

fonte   –      La   sinfonia   –   Kurt   Pahlen

 

 

 


Carissimi  amici  dopo  aver  sentito  e  ricordato  nel  mio  post ”MOOD  MUSIC  TAG”  tanta  buona  musica,  mi  scuserete  se  ne  torno  a  parlare.  Torno  a  farlo  perchè  ho  notato  nei  vari  commenti  al  mio  post  che  nessuno,  come  amore  musicale,  ha  nominato ( compresa  la  sottoscritta )   uno  dei  complessi  rock  che   invece  per  me  lo  è  davvero  (  amore  musicale  intendo ) :   i  QEEN.  La  prima  volta  in  cui  sentii  RADIO  GA  GA,  brano  composto  da  Roger  Taylor,  ispirato  dal  piccolo  figlio  Felix  il  quale,  commentando  una  musica  alla  radio,  aveva  detto  che  era  ”radio  ka – ka”,   rimasi  fulminata  e  me  la   porto  dentro  da  allora.  Nel  1984   quando  uscì,   mio  figlio  aveva  sei  anni.  Sentendola  più  volte  dentro  casa  è  cresciuto  si  può  dire  nel  mito  dei  Qeen  diventando,  sulla  scia  della  madre,  un  cultore  del  gruppo.   Sono   stata   capace  di  trasmettergli   tutta  la  mia  passione  a  riguardo  tanto  da  fargli  acquistare  ormai  diventato  liceale, tutti  i  loro  cd ,  almeno  quelli  che  mancavano  alla  mia  raccolta, e  non  vi  dico  quanto  in  casa  io  abbia  ballato  da  sola,  ascoltandola,  la  loro  musica  straordinaria.    Non  solo,  da  lì  è  partita  la  sua  di  passione ( anche  mia  a  dire  il  vero )  per  tutta  l’ottima   musica  dei    più  grandi  artisti  e  gruppi  quali  Pink  Floyd,  Bruce  Springsten,  Genesis,  Police,  Eric  Clapton  e  così  via.  Ci  ha  riempito  casa  dei  cd  più  importanti  di  ciascuno  e  debbo  dire  con  gioia  che  oggi  la  sua  è  un’ottima  collezione  con  la  quale  deliziarci  e  passare  un  pò  di  tempo,  ascoltando  con  piacere  tanta  buona  musica,  quando  siamo  in  vena  ovviamente.  Eh  sì  perchè  a  volte  anche  un’ottima  infornata  di  musica  classica  rilassa  allontanando  magari  stress  e  tensioni.   E’  per  questo  motivo  che   ho  deciso  di  raccontarvi  qualcosa ,  a  grandi  linee,  si capisce ,   per  quello  che  sarò  capace,   di  questo  gruppo,  il  ”mio”  gruppo.  Un  abbraccio  a  tutti

 

”Se  dovessi  morire  domani,  non  mi  preoccuperei.  Dalla  vita  ho  avuto  tutto.  Rifarei  tutto  quello  che  ho  fatto?  Certo,  perchè  no ?  Magari  un  pò  diversamente!   Io  cerco  solo  di  essere  genuino  e  sincero  e  spero  che  questo  traspaia  dalle  mie  canzoni”   FREDDY  MERCURY-  1986

”Non  voglio  cambiare  il  mondo,  lascio  che  le  canzoni  che  scrivo  esprimano  le  mie  sensazioni  e  i  miei  sentimenti.  Per  me,  la  felicità  è  la  cosa  più  importante  e  se  sono  felice,  il  mio  lavoro  lo  dimostra.  Alla  fine  tutti  gli  errori  e  tutte  le  scuse  sono  da  imputare solo  a  me.  Mi  piace  pensare  di  essere  stato  solo  me  stesso  e  ora  voglio  soltanto  avere  la  maggior  quantità  possibile  di  gioia  e  serenità,  e  immagazzinare  quanta  più  vita  riesco,  per  tutto  il  poco  tempo  che  mi  resta  da  vivere.”   ULTIMA  INTERVISTA  DI  FREDDY  MERCURY-  1991

 

Penso  che  mettere  in  piedi  una  vera  band  (  in  questo  caso  ”rock  band” ),  sia  qualcosa  di  molto  difficile  perchè  non  sempre  può  andare  tutto  bene  in  maniera  tale  da  passare  alla  storia. Molti  sono  i  fattori  che  contribuiscono  a  far  nascere  qualcosa  di  unico  e  irripetibile.  In  primis  gioca  un  ruolo  non  indifferente  la  casualità,  come  del  resto  in  tutte  le  cose. Gli  incontri  tra  persone  con  gli  stessi  intenti  ad  esempio.  E  parlando  di  musica  c’è  poi  quel  quid,  quell’avere  in  comune  un  amore  smisurato  per  il  suono,  la  melodia,  lo  strumento  che  apre  le  porte  ad  un  mondo  magico,  unico,  fatto  di  sensazioni  profonde.   Ecco  che  allora  un  incontro  casuale  può  dare  origine  ad  un  qualcosa  su  cui  nessuno  avrebbe  scommesso.   I  Qeen  sono  e  rappresentano  tutto  questo.  Il  loro   sodalizio  artistico  ed  umano   iniziato  per  caso  nelle  vie  di  Londra   porterà  a  risultati  che  lasceranno  il  segno  nella  musica  rock,  dalla  fine  degli  anni  ’60  e  per  vent’anni,   e  tutto  è  dovuto  oltre  che  alla  bravura  di  ogni  singolo  musicista,   soprattutto  alla  loro  grande  amicizia,  al  rispetto  che  avevano  l’uno  per  l’altro,   alla  capacità  di  ognuno  di  coltivare  le  proprie  scelte  musicali  senza  prevaricazioni,  ma  mettendole  al  servizio  l’uno  dell’altro,  e  quindi  alla   grande  armonia  creatasi  all’interno  del  gruppo.  Perfino  i  loro  testi  testimoniano  questo  stato  di  cose.  Valori  come  l’amore  universale,  l’amicizia ,  domande  esistenziali  su  cui  riflettere ,  tutto  è  racchiuso  nelle  loro  canzoni.  Tutti  i  loro  concerti  sono  rimasti  nella  storia  perchè  sempre  ricercati,  sfarzosi  e  spesso  molto  teatrali. E   proprio  questo  piaceva  molto  a  Freddy  Mercury.  Fare  in  modo  che  lo  spettacolo  fosse  davvero  completo,   quasi  una  rappresentazione  teatrale  dove  unire  musica  e  danza  e  grande  scenografia,  senza  dimenticare  l’uso  sempre più  magico  delle  luci.  Concerti  che  fecero  il  pienone  in  tutti  gli  stadi  d’Europa  conquistando  sempre  più  fan  che  accorrevano  e  rimanevano  stupiti  di  fronte  a  tanta  magnificenza.

Tutto  comincia  a  Londra.  Quella  Londra   degli  anni  ’60,  che  il  15  aprile  del  1966  il  TIME  definì  ”the  swinging  city”  ovvero  la  città  oscillante.  Ed  è  proprio  l’atmosfera  esplosiva  della  Swingin’  London  che  attira  nei  suoi  club  e  nei  quartieri  più  alla  moda,  centinaia  di  artisti  e  musicisti  da  tutto  il  Regno  Unito,  che  lì  trovano l’ambiente  più  creativo  e  all’avanguardia  del  momento  accanto alla  prospettiva  di  realizzare  i  propri  sogni. Dopo  i  Beatles  e  i  Rolling  Stones,  i  Who  di ” My  generation”,  la  scena  musicale  londinese  sembra  essere  l’ambiente  adatto  per  dare  origine  a  nuove  tendenze  musicali,  dal ”  blues  britannico’‘   degli  Yardbirds   alle  prime  sperimentazioni  dei  Pink  Floyd  ad  esempio  ed  il  circuito  universitario  sembra  essere  un’ottima  rampa  di  lancio  per  tutti.   Le  scuole  d’arte  sono  un  vivace  punto  d’incontro  e  come  all’Imperial  College  di  Londra , cominciano  a  farsi  strada  gruppi  dell’area  ”progressive”  come  i  Genesis  di  Peter  Gabriel,  i  Jethro  Tull,  mentre  nel  1968  esordisce  per  la  prima  volta  la  formazione  dei  Led  Zeppelin.  Tra  le  tante  bands  che  sono  presenti  sulla  scena  all’Imperial  College  nell’inverno  del  1967,  scontrandosi  con  le  difficoltà  del  mondo  rock,  c’è  un  gruppo  chiamato  1984  in  cui  suona  un  giovane  chitarrista :  Brian  May.

 

 

 

 fonte  :   QEEN –  a  cura  di  Max  Felsani,  Michele  Primi,  e  Mauro  Saita      Edizioni   Giunti

 

 


Beethoven  ammirava  molto  il  poeta  Wolfang  Goethe  ancor  prima  di  conoscerlo  tanto  che  compose  l’ouverture  dell’Egmont,  ”solo  per  amore  delle  sue  poesie ,  che  mi  fanno  felice”,  e  addirittura ,  nel  periodo  1810 – 1812 ,   musicò  alcuni  lieder ( canzoni )  proprio  su  versi  del  poeta.  I  due  s’incontrarono  ,  nel  1812,  tramite  la  comune  amica  Bettina  Brentano,  a  Toplitz,  una  ridente  cittadina  termale  dove  Beethoven  era  solito  recarsi  per  le  cure  termali. I  loro  caratteri  erano  comunque  troppo  dissimili  perchè  da  quell’incontro  nascesse  una  profonda  amicizia:  libero,  impetuoso,  spregiudicato  Beethoven,  diplomatico  e  raffinato  Goethe.  Dagli  appunti  che  essi  lasciarono  nei  loro  diari  e  nelle  lettere  scritte  ad  amici  si  comprende  facilmente  che  i  loro  rapporti  furono  di  educata  tolleranza,  nulla  più.  Quando  si  conobbero  ,  Beethoven  aveva  42  anni  e  Goethe  62.  Durante  il  loro  breve  incontro  un  giorno, mentre  camminavano  lungo  un  viale,  videro  arrivare  in  carrozza  la  famiglia  imperiale.  Goethe  si  scoprì  il  capo  ,  si  fece  da  parte  e  restò  fermo  nell’inchino  di  prammatica.   Beethoven,  invece,  si  calò  di  più  il  cappello  sugli  occhi,  abbottonò  il  soprabito  e  guardò  fiero  davanti  a  sè.  Nonostante  questo  suo  atteggiamento,   l’imperatrice  lo  salutò  per  prima  e  l’arciduca  si  tolse  il  cappello.  Beethoven,   rivolto  quindi  a  Goethe,   disse  con  una  certa  compiacenza : ” Quella  gente  mi  conosce”.  Quindi  intavolò  una  lunga  discussione.  Beethoven  dirà  più  tardi  :  ” Quando  uno  come  me  e  Goethe  si  trovano  insieme,   quei  signori  devono  sentire    la  nostra  grandezza”.  Ancora  mentre  passeggiavano  insieme,  il  poeta  si  mostrò  infastidito  di  quanta  gente  li  ossequiasse  al  loro  passaggio. Beethoven  fu  subito  pronto  a  rispondere  con  un  ironico  sorriso :  ”Non  se  ne  preoccupi,  eccellenza,  forse  questi  inchini  sono  soltanto  per  me.”  Una  sera  suonò  per  Goethe  che  così  riferì  al  critico  musicale  Zelter  :” Il  suo  talento  mi  ha  stupefatto.  Ma  egli  purtroppo,  è  una  personalità  irriducibilmente  ribelle  e  non  ha  torto  davvero  di  trovare  il  mondo  detestabel;  il  suo  carattere  non  lo  rende  ricco  di  gioia  nè  per  sè  nè  per  gli  altri.  E’  molto  da  scusare  invece  e  molto  da  compiangere  perchè  l’udito  lo  abbandona;  cosa  forse  meno  dannosa  per  il  suo  essere  musicale,  che  per  i  contatti  con  la  società.  Egli,  già  taciturno  per  natura,  lo  diviene  doppiamente  per  la  sua  infermità.”  Goethe  non  nominò  mai  Beethoven  nelle  sue  opere.  Più  che  amarlo,  lo  temeva.  E  soprattutto  temeva  che  l’impetuosa  musica  beethoveniana  turbasse  la  serenità  spirituale  ch’egli  aveva  conquistato  a  prezzo  di  tante  rinunce.  Mendelssohn,  che  incontrò  a  Weimar  nel  1830  Goethe  ottantenne,  racconta  che  il  poeta  non  gradiva  sentir  parlare  di  Beethoven ;  tuttavia  si  convinse  un  giorno  ad  ascoltare  il  primo  tempo  della  Sinfonia  n° 5 .  Quell’inizio  drammatico  lo  scosse  visibilmente,  però  non  volle  palesare  il  turbamento  e  così  commentò :  ”E’  musica  grandiosa  e  insensata  insieme:  si  direbbe  che  la  sala  stia  per  crollare.”   Ma  dopo  aver  ascoltato  il  primo  tempo  della  Quinta,  Goethe  rientrò  a  casa  pallido.  A  cena  non  parlò  con  nessuno.  Da  allora  non  ascoltò  più  musica  di  Beethoven.

Qui  sotto,  Goethe s’inchina  al  passaggio dei  reali  mentre  il  musicista   tira  dritto  con  fare  altezzoso.

 

Incident_Teplitz_1812foto da wikipendia

E  qui  una  poesia  di  Goethe:

Vicinanza  dell’amata

 

Io  penso  a  te  quando  il  raggio  del  sole

mi  raggiunge  dal  mare.

Penso  a  te  quando  il  biancore  lunare

si  specchia  nella  fonte.

Ti  vedo  quando  sulla  via  lontana

si  solleva  la  polvere

e  quando  a  notte  là  sul  ponticello

passa  il  viandante,  e  trema.

Io  odo  te  quando  il  mugghiar  dell’onda

monta  cupo  laggiù.

Vado  spesso  nel  quieto  bosco  e  ascolto,

quando  tutto  è  silenzio.

Sono  con  te:  benchè  così  lontana

tu  sei  vicino  a  me.

Cade  il  sole,  mi  fan  luce  le  stelle.

Oh,se  tu  fossi  qui !

 

Post   dedicato   al  caro  amico  Gian  Paolo ( http://newwhitebear’s blog.wordpress.com// )  che  ama  molto  Goethe  e  sul  quale  ha  scritto  un  bel  racconto  di  fantasia  ispirandosi  ad  una  sua  storia  d’amore  vissuta a  Roma  che  vi  consiglio  di  leggere.  Penso  mi  perdonerà  se  non  ricordo  il  titolo.  Voi  chiedeteglielo, ne vale la pena.

 

Fonte:  I  grandi  di  tutti  i  tempi :  Beethoven

Periodici  Mondadori


Ludwig  van  Beethoven  amava  molto  passeggiare  e  quindi  usciva  ogni  giorno  di  casa,  con  qualsiasi  tempo.  Se  il  cielo  era  clemente  si  avviava  in  campagna,  se  pioveva  restava  in  città.  Camminava  lentamente  per  le  vie  di  Vienna,  si  soffermava  davanti  ai  negozi,  talvolta  ne  varcava  la  soglia  per  un  acquisto.  Entrava  sovente  anche  in  qualche  caffè  o  addirittura  nelle  osterie.  In  mezzo  alla  gente  comune  era  allegro  e  disteso,  assai  più  di  quanto  non  lo  fosse  nei  salotti  dell’aristocrazia,  dove  spesso  si  sentiva  a  disagio.  Talvolta  non  disdegnava  pranzare  in  trattoria  con  gli  amici.  Anzi  ne  era  molto  contento.  Erano  le  ore  in  cui  si  distendeva,  si  abbandonava  all’estro  del  momento,  meravigliava  i  presenti  con  battute  di  spirito,  con  commenti  caustici  e  pieni  di  umorismo.  A  volte  diventava  talmente  allegro  tanto  da  stupire  gli  amici  abituati  a  vederlo  accigliato.  Come  tutti  i  viennesi,  amava  passeggiare  al  Prater,  il  vastissimo  parco  alle  porte  di  Vienna  che,  un  tempo  proprietà  della  famiglia  imperiale,  era  stato  aperto  al  pubblico  dall’imperatore  Giuseppe  II.  Il  Prater  aveva  magnifici  viali  dove,  al  trotto,  andavano  e  venivano  carrozze,  nelle  quali  intere  famiglie  si  godevano  il  piacere  di  una  corsa  ad  andatura  dignitosamente  moderata.  Qua  e  là,  dove  gli  alberi  formavano  una  specie  di  anfiteatro,  suonavano  orchestre  che  alternavano  pezzi  d’opera  a  musica  sinfonica,  e  a  marce  militari.  Sotto  agli  alti  castagni  erano  sistemati  piccoli  accoglienti  caffè  frequentati  da  un  pubblico  vivacissimo  che  dava  l’impressione  che  fosse  sempre  domenica.  Con  il  suo  taccuino  in  mano,  il  grande  Ludwig  passeggiava  senza  una  meta  precisa,  sognando  ad  occhi  aperti  (  cosa  che  gli  capitava  spesso),  mescolato  tra  la  folla,  tra  bambini  che  gli  correvano  incontro  per  offrirgli  fiori.  Abbastanza  spesso  Beethoven  lasciava  il  Prater  per  ritrovare  i  suoi  amici  all’Albergo  del  Cigno  Bianco,  al  ”Cammello  nero”,  alla  ”Città  di  Trieste”,  caratteristici  locali  alla  moda  dove,  tra  il  fumo  del  tabacco  e  l’acre  odore  dell’alcool,  fervevano  discussioni  che  toccavano  i  più  disparati  temi  connessi  all’arte  e  alla  vita  del  pensiero.  Beethoven  entrava;  si  sedeva  ad   un  tavolo,  ordinava  un  bicchiere  di  birra  e  ad  occhi  chiusi  fumava  una  grossa  pipa.  Se  qualche  amico  lo  toccava  su  di  una  spalla,  si  risvegliava  come  da  un  sogno  aprendo  gli  occhi  ,  estraeva  il  suo  ”quaderno  di  conversazione’  e  ordinava  a  gran  voce  all’interlocutore  di  scrivergli  ciò  che  voleva   chiedergli.   In  alcune  locande  i  musicisti  si  riunivano  per  presentare  anche  le  loro  composizioni .  Capitò  così  che  alla  ”Zum  wilden  Mann”  Beethoven  facesse  eseguire  i  suoi  stupendi  quartetti  dal  famoso  complesso  Shuppanzigh.  Frequentando  le  allegre  compagnie,  Ludwig  imparò  a  gustare  lo  champagne,  anche  se  ricordando  il  padre  semi-alcolizzato cercava  di  astenersene  il  più  possibile,  scrivendo  all’amico  Kuhlau  che”  queste  cose  soffocano,  anzichè  eccitare  il  mio  fervore  creativo”. Gli  piaceva  conversare  di  politica ( dopo  la  Rivoluzione  francese  era  convinto  che  ben  presto  in  Europa  ci  sarebbero  state  tutte  Repubbliche),  era  colto,  leggeva  molto.  Naturalmente  frequentava  anche  i  negozi  di  musica,  famosi  a  Vienna,  dove  ogni  settimana  poteva  incontrare  gente  del  suo  mondo,  maestri,  editori  e  dilettanti  di  musica.  Bel  mondo  no,  che  ve  ne  pare?  Nel  prossimo  post  dedicato  a  questo  grande  musicista,  racconterò  qualcosa  della  sua  sordità.

 

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 Il   Caffè   D’Argento   in  Spiegelgasse,  litografia  di  Katzler

 

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La  Locanda   del   Cigno   Bianco   al   mercato   nuovo

Antonio   capisci  ora  perchè  mi  sarebbe  piaciuto  vivere  al  tempo  di  Beethoven a  Vienna?  Mi  pare  si  respirasse  aria  di  cultura e  fosse  una  città  altamente  vivibile… meglio  senz’altro  delle  città  di  oggi  convulse  e  piene  di  traffico.

fonte:  I    Grandi  di  tutti  i  tempi  —   Beethoven

Periodici   Mondadori

 


Beethoven  si  trovava  molto  bene  a  Bonn,  stimato  e  benvoluto  dallo  stesso  principe  Massimiliano  Francesco,  protettore entusiasta  della  cultura.  Ma  aveva  un  sogno  :  andare  a  Vienna  ed  incontrare  Mozart  ormai  diventato  un  grande,  per  farsi  da  lui  ascoltare  al  pianoforte.  Così  nel  febbraio  del  1787  a  17  anni  dopo  aver  ottenuto  il  consenso  per  il  viaggio,  partì.  Quell’inverno era particolarmente rigido  e Beethoven  imbacuccato  in  una  pelliccia,  viaggiava  in  una  diligenza,  facendo  tappa  in  fumose  locande.  Fu  un  viaggio  lunghissimo,  che  durò  quasi  un  mese  attraverso  un  paesaggio  di  guerra:  le  armate  della  nuova Repubblica  di  Francia  si  battevano  alla  conquista  dell’Europa  un  pò  dovunque.  Ma    Vienna  in  quel  periodo  era  una  città    straordinariamente  affascinante, ed  era  una  tangibile  espressione  della  civiltà  del  Centro  Europa  di  quel  periodo.  Vi  si  coltivavano  tutte  le  arti  ma  la  musica,  specialmente  quella  italiana,  teneva  il  primo  posto  ed  infatti  da  qualche  decennio  la  capitale  austriaca  era  uno  dei  centri  principali  della  vita  musicale  europea.  L’imperatore  aveva  fondato  il  Teatro  Nazionale,  la  corte  imperiale  aveva  la  sua  orchestra e  nelle  case  patrizie  vivevano  artisti  a  stipendio  fisso.  Per  le  strade  si  suonavano  persino  gli  organini.  Insomma  si  respirava  un’aria  festosa  e  civile.  Sul  finire  del  Settecento  Vienna  aperta  alle  correnti  culturali  d’Europa,  aveva  però  perso  la  propria  personalità  artistica  .  La  musica  italiana  predominava,  e  gli  stessi  Haendel,  Haydn,  Mozart  erano  scesi  in  Italia  per  perfezionarsi e  portare  lo  stile  italiano  a  Vienna.  Ma  quest’ultima  con  la  costanza  dei  mecenati  e  la  genialità  di  vari  artisti  cercava  di  riacquistare  le  posizioni  perdute.  Si  deve  quindi  proprio  a  Beethoven  se  la  musica  tedesca  tornò  ad  essere    se  stessa,  originale  e  drammatica.  Alla  fine  del  Settecento  la  musica  non  era  più  patrimonio  esclusivo  delle  potenti  case  aristocratiche,  digradando  verso  gli  strati  sociali  inferiori.  Si  faceva  musica  nelle  pubbliche  accademie,  nei  teatri  gremiti  di  popolo.   E  Beethoven  era  ben  contento  di  fare  musica  per  tutti.  Prima  che  per  lui  però  i  viennesi  erano  interessati  alla  musica  e  ancor  più  alla  tecnica  di  pianisti  quale  Wolfl  e  Hummel,  con  i  quali  il  nostro  si   misurerà  in  gara  per  vedere  tra  i  tre  chi  fosse  il  migliore.  Comunque  la  prima  vittoria  di  Beethoven   avverrà  il  29  maggio  1795  quando  suonerà  al  Burgtheater,  a  favore  delle  vedove  della  Società  degli  Artisti,  il  suo  Concerto  n.2  per  piano  e  orchestra.  Era  una  musica  nuova,  profonda,  una  musica  di  ”rottura”  diremmo  oggi.  I  viennesi  applaudirono  soddisfatti  preparando  così  l’ascesa  al  grande  compositore.   Tornando  però  all’epoca  in  cui  diciassettenne  arrivò  in  città ,  Beethoven  riuscì  ad  essere  ricevuto  da  Wolfang  Amadeus  Mozart,  realizzando  finalmente   il  suo  sogno.  Mozart  aveva  allora  trentuno  anni  ( morirà  nel  1791  trentacinquenne)  ed  era  l’idolo  d’Europa.  Nonostante  l’emozione  il  nostro  improvvisò  con  maestria,  ma  Mozart  ebbe  il  sospetto  che  quel  tedeschino  avesse  imparato  il  pezzo  a  memoria.  Beethoven  s’ accorse  della  sua  diffidenza,  e  ottenuta  una  seconda  audizione  chiese  che  fosse  lo  stesso  Maestro  ad  affidargli  un  tema  da  sviluppare.  Così  avvenne.  Improvvisò  con  magnifica  bravura  una  serie  di  variazioni  al  tema  tanto  che   Mozart,  sinceramente  ammirato,  disse  ai  presenti :  ” Questo  ragazzo  farà  parlare  il  mondo  di  sè”.  E  lo  accettò  come  allievo  pur  non  suonando  mai  in  sua  presenza,  com’ebbe  a  dire  lo  stesso  Beethoven.

fonte:  ”I  grandi  di  tutti  i  tempi” Beethoven   periodici Mondadori http://www.viaggio-in-austria.it/vienna-bernardo-bellotto.htm

Aprendo questo link troverete immagini  di Vienna  nel  Settecento riprese e dipinte da Bernardo Bellotto  pittore italiano.


Cari  amici  non mantengo  le  promesse.  Sono  già  qui.  Semplicemente  però  perchè  sono  commossa  e  quindi  voglio  condividere  con  voi  questo  mio  stato  d’animo.  Ieri  sera  sono  stata  ad  un  concerto  di  Natale  tenuto  da  due  corali   differenti  dove  cantava  anche  una  nostra  amica  ungherese.  Hanno  presentato  vari  pezzi  di  repertorio  classico  oltre  quelli  tradizionali,  sempre  belli,  natalizi.  Varie  volte  ho  ascoltato  il  ”Messiah  HWV 56”  di  Handel  ma  stasera   mi  sono  molto  emozionata,  forse  complice  la  voce  della  soprano  che  ha  cantato   il  ”Rejoice”  con  molto  vigore,  e  allo  stesso  modo  ascoltando  ”un’Ave  Maria”  di  Pietro  Mascagni. La  musica  classica  ha  sempre  esercitato   su  di  me  una  specie  d’ipnosi,   una  partecipazione   talmente  emotiva  da  procurarmi  talvolta  il  pianto.  Certi  pezzi  potenti  come  ad  esempio  il  ”Messiah”  di  Handel  mi  prendono  totalmente ,  ma  debbo  dire  che  l’Ave  Maria  di  Mascagni,  intermezzo  sinfonico  nella  ”Cavalleria  Rusticana”,  opera  ”verista”  che  adoro,  mi  è  piaciuta moltissimo. Comunque  ora  vorrei  parlarvi  un  attimo del  pezzo  di  Handel.

Il  ” Messiah”  è  un  oratorio  composto  in  inglese  nel  1741,  quando  ormai  Handel  viveva  a  Londra  già  da  ventinove  anni.  Il  libretto,  tratto  dalla  Bibbia  di  Re  Giacomo  e  dai  Salmi,  fu  scritto  da  Charles  Jennens.  La  prima  esecuzione  fu  a  Dublino,  il  13  aprile  1742  per  poi  essere  eseguito  a  Londra  l’anno  dopo.  L’oratorio  è  la  sesta  opera  di  Handel  in  inglese,  dopo  che  fino  al  1730  aveva  solo  composto  opere  in  italiano.  Il  ”Messiah”  consta  di  tre  parti.  La  parte I  inizia  con  le  profezie  di  Isaia  e  di  altri  sull’avvento  di  Cristo  concludendosi  con  la  sua  nascita .  Della  prima  parte  è  il  ”Rejoice  greatly,  O  daughter  of  zion”. Nella  seconda  parte  abbiamo  invece  rappresentata  la  Passione,  Resurrezione  e  Ascensione  che  si  conclude  con  l’annuncio  della  buona  novella.  Alla  fine  di  questa  parte  seconda   si  colloca  il  famoso  brano  ”Halleluia”.  La  terza  parte  tratta  del  giorno  del  Giudizio  e  la  vittoria  di  Cristo  sul  peccato  e  sulla  morte.  Handel  scrisse  il”Messiah”  in  soli  24  giorni  e  avendo  completato  il  lavoro  con  la  sigla  manoscritta  SDG  ( ”Soli  Dei  Gloria” e  cioè   ” A  Dio  solo  sia  gloria”),  ne  nacque  la  leggenda  che  avesse  composto  il  brano  in  seguito  ad  ispirazione  divina  e  che,  mentre  scriveva  lo  spartito  dell’Halleluia”,  avesse  avuto  la  visione  del  Paradiso.  La  partitura  originale  fu  da  lui  pensata  per  pochi  strumenti  e  voci,  ma  dopo  la  sua  morte  il  lavoro  fu  adattato  per  essere  eseguito  da  grandi  orchestre  e  cori  maestosi.  Lo  stesso  Mozart  partecipò  a  tale  lavoro  di  adattamento.  In  epoca  moderna  si  è  però  tornati  ad  esecuzioni  più  vicine  alla  partitura  originale  di  Handel.

FELIZ   NAVIDAD

fonti  varie

http://www.youtube.com/watch?v=FcwWl5JBnoU

http://www.youtube.com/watch?v=Q6ziiLE92Zg