Archivi categoria: Haiku – metrica giapponese

Foto   Andrea   Romani

                                                                         Schiuma   sul   lago
                                                                         bianche   luci   riflesse-
                                                                         acqua   tremula

 

                                                                         Sasso   sporgente
                                                                         lunghi   teneri   steli-
                                                                        verde   fogliame

 

Isabella   Scotti   agosto   2019

testo   :   copyright   legge   22   aprile   1941   n°   633


”   Tu   sollevi   la   marea   su   di   me   ogni   giorno   ed   insegni   ai   miei   occhi   a   vedere   ”

Bob   Dylan

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Sguardi   d’intesa

mani   che   si   sfiorano

è   desiderio

 

Isabella   Scotti   marzo   2019

testo  :   copyright   legge   22   aprile   1941   n°   633

 

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Battito   cuore

aumenta   sempre   di   più

calda   passione

 

Isabella   Scotti   marzo   2019

testo   :   copyright   legge   22   aprile   1941   n°   633

 

Ed   ora  haiku   dedicati   alla   natura

 

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Api   volano

con   insistente   ronzio

fiore   cercano

 

Isabella   Scotti   marzo   2019

testo   :   copyright   legge   22   aprile   1941   n°   633

 

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Nel   grande   stagno

le   ninfee   galleggiano

lievi   barchette

 

Isabella   Scotti   marzo   2019

testo   :   copyright   legge   22   aprile   1941   n°   633

 

 

 

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Nera   formica

esce   dalla   fessura

del   battiscopa

 

Isabella   Scotti   marzo   2019

testo   :   copyright   legge   22   aprile   1941   n°   633

 

 

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Estiva   sera

in   campagna   nascosto

il   grillo   canta

 

Isabella   Scotti   marzo   2019

testo   :   copyright   legge   22   aprile   1941   n°   633

 

Buona   giornata   amici.   La   vostra   Isabella


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E’   tempo   bello
a   che   serve   piangere
è   luna   bianca

 

Apri   la   porta
nuovamente   del   cuore
amore  bussa

 

 

Isabella   Scotti   settembre   2018

testo  :   copyright   legge   22   aprile   1941   n°   633


Immagine correlata

Claude  Monet  –  I  papaveri

 

Nuvole   bianche
e   rossi   papaveri
campo   di   grano

 

Isabella   Scotti   febbraio   2018

testo  :   copyright   legge   22   ottobre   1941   n°   633

 

Il   periodo   detto   ”  di   Argenteuil  ”,   è   particolarmente   felice   per   Monet   ;   egli   abitava   allora   in   questo   villaggio   ai   bordi   della   Senna,   in   prossimità   di   Parigi.   Il   luogo   era   molto   apprezzato   per   la   navigazione   da   diporto   e   il   balletto   delle   vele   si   aggiungeva   alla   spettacolarità   della   natura.   Argenteuil   offriva,   inoltre,   tutta   una   gamma   di   motivi   all’artista,   appassionato   osservatore   del   paesaggio.   Con   l’aiuto   del   pittore   Caillebotte,   Monet   aveva   allestito   un   curioso   atelier   galleggiante,   una   sorta   di   barca   provvista   di   una   cabina   che   gli   consentiva   di   osservare   meglio   l’universo   acquatico   che   tanto   lo   affascinava.

Il   periodo   di   Argenteuil   corrisponde   alla   fase   di   espansione   dell’ Impressionismo   e   le   tele   realizzate   in   questi  anni  (   1872  –  1877  )   sono   le   più   luminose,   le   più   chiare   e   le   più   immediatamente   seducenti   della   sua   produzione.

Argenteuil   ha   saputo   ispirare   non   solo   Monet,   ma   anche   molti   altri   pittori,   tra   i   quali   Sisley,   che   vi   soggiornò   nel   1872,   e   Renoir   negli   anni   1873-  1874,   senza   dimenticare   Pissarro   e   Manet,   il   quale   stimolato   dall’esempio   dell’amico,   vi   dipinse   ”   en   plein   air  ”   radiose   tele   raffiguranti  i   canottieri.

 

” I   papaveri ”  sono   datati   al   1873    e   nel   1874   figuravano   nella   prima   esposizione   degli   impressionisti.   Come   la   maggior   parte   delle   tele   di   questo   periodo,   anche   questa   è   di   modeste   dimensioni  ;   solo   nella   produzione   tarda   Monet   prediligerà   le   grandi   superfici,   come   nel   caso   del   giardino   di   Giverny,   dipinto   con   passione   agli   albori   del   XX   secolo,   e   che   per   circa   vent’anni   costituirà   la   sua   principale   fonte   di   ispirazione.   Di   fronte   a   ”I   papaveri ”   lo   spettatore   è   subito   colpito   dalla   freschezza   del   colore,   dallo   sfavillio   rosso   del   prato   fiorito,   dal   movimento   ondulato    dell’erba  sfiorata   dal   vento   leggero   e   dalla   luce   estiva   che   dissolve   nell’atmosfera   gli   oggetti   più   concreti   sfumando   i   loro   contorni,   come   quelli   della   casa,   che   si   confondono   nel   verde   degli   alberi   e   nel   bianco   delle   nuvole.

Le   due   figure,   in   questo   caso   Camille   Monet   e   suo   figlio,   si   ripetono   come   un’eco,   creando  l ‘illusione   di   una   profondità,   ultimo   residuo   di   una   prospettiva   classica.   La   tecnica,   basata   essenzialmente   su   brevi   pennellate   apparentemente   posate   con   vivacità   sulla   tela,   è   un’altra   caratteristica   della   produzione   di   quel   periodo,   del   quale   possiamo   nominare   anche   altre   opere   ,   quali   ”  Regata   ad   Argenteuil  ”,   ”  Il   ponte   di   Argenteuil  ”, ”  Impression,   solei   levant  ”   (  che   diede   origine   al   termine   ”   impressionismo  ”  )   e   ancora   ”   via   Montogueil   imbandierata  ”   dove   vibranti   mazzi   di   pennellate   blu- bianco- rosso   evocano   con   vivacità   i   festeggiamenti   del   14   luglio   1878.

Monet   riprendeva   spesso   gli   stessi   soggetti,   posti   sotto   una   luce   diversa,   a   seconda   dell’ora   o   della   stagione.   Il   tema   dei   papaveri,  –   che   ispirò   anche   Renoir in   questo   periodo   che   vide   i   due   artisti   lavorare   talvolta   a   fianco   –   evoca   quello   più   generale   dei   fiori   e   dei   giardini,   dei   quali   si   ritrovano   numerose   interpretazioni   in   tutta   la   produzione   del   pittore,   e   che   condurrà   al   grande   ciclo   delle   ninfee  di   Giverny.   Eccone   un   esempio   :

Risultato immagine per ninfe di monet

zebrart.it

 

Nel   grande   stagno

scivolano   le   ninfee

dolce   lentezza

 

arteworld.it

Nardini  Editore,    Firenze   1991

De   Agostini   Mailing   s.r.l   Novara   1992

 

Altro   haiku

 

Risultati immagini per dipinti di Monet Claude

Claude   Monet –   Covone   presso   Giverny

 

Estate    giunge
il   fieno   si   raccoglie
grande   covone

 

Isabella  Scotti   febbraio   2018

testo  :   copyright   legge   22   ottobre   1941   n°   633

 

Eccone   un   altro

 

Risultati immagini per dipinti di Monet Claude

Jeanne   Marguerite   Lecadre   in   giardino   –   Claude   Monet

 

Sbocciano   fiori
è   vita   nel   giardino
amo   natura

 

Isabella   Scotti   febbraio   2018

testo  :   copyright   legge   22   ottobre   1941   n°   633

 

Di   nuovo   un   haiku

 

Claude Monet, "Etang à Montgeron (Lo stagno di Montgeron)", 1876, Museo dell'Ermitage (The State Hermitage Museum), San Pietroburgo (St. Petersburg)

Claude   Monet  –  Lo   stagno   di   Montgeron

Acqua   riposa
sole   fa   capolino
tremule   foglie

 

Isabella   Scotti   febbraio   2018

testo  :   copyright   legge   22   ottobre   1941   n°   633

 

L’ ultimo   haiku

 

Risultati immagini per dipinti di Monet Claude

Claude   Monet   –   Impression   soleil   levant

 

Sole    si   tuffa
oro   mare   diventa
passano   barche

 

Isabella   Scotti   febbraio   2018

testo :    copyright   legge   22   ottobre   1941   n°   633

 

Questo   dipinto,   rubato   dal   Musée   Marmottan  nel   1985,   raffigura   il   porto   di   Le   Havre   all’alba.   Eseguito   nel   1872   fu   esposto   nel   1874   nello   studio   del   famoso   fotografo   Nadar   alla   mostra   della   ”  Société   anonyme   des   artistes   peintres,   sculpteurs,   graveurs   ect  ”.    Il   nucleo   di   questa   società,   era   composto    da   tutti   quegli   artisti   –   Cézanne,   Degas ,   Monet,   Pissarro,   Renoir,   Sisley,   –   che   si   riunivano   da   qualche   anno,   al   Cafè   Guerbois,   attorno   all’uomo   che   reputavano   loro   padre   spirituale,   e   cioè   Edouard   Manet,   il   quale   tuttavia   non   volle   mai   essere   coinvolto   nelle   attività   del   gruppo.

 

Alla   mostra   del   1874     il   critico   Louis    Leroy     trasse   spunto   dal   titolo   di   quest’opera   per   definire   sarcasticamente   gli   artisti   che   esponevano   ”   Impressionisti   ” ,   denominazione   ch’essi   accettarono   volentieri.

Quest’ opera   ben   definisce   la   poetica   di   Monet   a   questa   data,   e   più   in   generale   la   poetica   impressionistica.   Il   quadro,   dipinto   da   una   finestra,   rivela   chiaramente   l’intenzione   di   rappresentare   non   già   gli   oggetti   della   realtà   esterna,  ma   piuttosto   l’effetto   luminoso   che   si   produce   nell’occhio   dell’artista.   La   luce   della   natura   diviene   il   vero  soggetto   del   quadro.

Qui   si   tratta   di   una   luce   azzurrina   e   livida,   che   inizia   appena   a   colorarsi   di   rosa,   descritta   con   una   serie   di   accordi   tonali   delicatissimi,   su   cui   spicca   prepotentemente   col   suo   riflesso   nell’acqua,   il   sole   arancione.   Il   sole   rivela,   come   la   descrizione   delle   barche,    l’influsso   delle   stampe   giapponesi. I  riflessi   nell’acqua,    per   via   del   loro   continuo   mutare,   sono   motivo   tipicissimo   dell’arte   impressionista   in   generale,   che   cerca   di   tradurre   il   più   velocemente   possibile   la   sostanza   lieve   ed   effimera   della   luce   e   dell’atmosfera,   lavorando   all’aria   aperta,   a   tu   per   tu   con   la   natura.   Ogni   tocco   di   colore   corrisponde   a   un   frammento   del   rapido   mutare   delle   apparenze   visive,   in   una   solidarietà   il   più   possibile   assoluta   tra   arte   e   natura,   quasi   che   il   momento   della   percezione   e   quello   dell’esecuzione   del   dipinto    dovessero   avvicinarsi   sino   a   coincidere.

Impressionisti / 2   Arnoldo   Mondadori   Editore 

 

In   conclusione ,  appare evidente dopo quest’analisi come il dipinto,  miri a trasmettere all’osservatore le sensazioni o, per essere più precisi, le impressioni che Monet ha provato contemplando l’aurora sul porto di Le Havre. Se le abituali tecniche pittoriche accademiche miravano ad una rappresentazione fedele della realtà, descritta con pennellate lisce e minuziose, Monet con questa tela preferisce cimentarsi in una pittura realizzata rigorosamente en plein air dove a prevalere è la soggettività dell’artista, finalmente non più oppressa dall’urgenza di operare in totale aderenza alla realtà. Il potere interpretativo del pittore, infatti, qui si traduce in una visione fantastica piuttosto che documentaria, dove la giustapposizione di colori caldi (il rosso e l’arancione) e freddi (il verde azzurrognolo) e l’utilizzo di tocchi virgolati veloci e materici, liberamente disposti sulla tela senza una preparazione disegnativa, rendono particolarmente appassionata quest’evocazione della nebbia e dei vapori del crepuscolo.

Da   wikipedia

 

Ed   ora   non   haiku   ma   poesia

 

Come    mormora   il   mare.
Ogni   volta
che   mi   attardo   sulla   riva,
nelle   mattine,
quando   la   bruma
vela   l’orizzonte,
ne   capto   la   malinconia.
In   quell ‘  andare   e   venire
di   onde    che   piano
intonano   una   nenia
sempre   uguale,
monotona.
Quando    il   mare   mormora
nei   suoi   momenti
di   calma,
è   facile
ch’io   m’abbandoni
alla   nostalgia,
lasciando   che   i   ricordi
affiorino
come   da   un   sommerso
troppo   a   lungo   dimenticato.
In   quei   momenti,
perfino   il   cigolio
di   una   barca   solitaria
diventa   veicolo
di   emozioni.
Tutto   ritorna,
senza   rimpianti,
con   tenerezza,
per   poi   confondersi
con   la   stessa   bruma
ch’è   nell’aria.
Andare   e   venire,
come   le   conchiglie,
depositate   dall’onda
sulla   battigia
e   poi   nuovamente,
con   ritmo   cadenzato,
portate   via.

Isabella  Scotti  ottobre  2017

testo  :   copyright   legge   22   ottobre   1941   n°   633

Ascoltando   Corde   Oblique   in   ”   Le   onde”   e   guardando   Soleil   levant  (   dipinto   di   Monet   )

 

Miei   cari   un   saluto   affettuoso   dalla   vostra   Isabella

 

PS    Per   caso   mi   è   capitato   sottomano   questo   articolo   che   qui   aggiungo   sperando   farvi   cosa   gradita.   L’ho   trovato   molto   interessante

 

Da   Il   Giornale.it

Londra – Con gli Impressionisti si va a colpo sicuro. Pur avendo anticipato, fin dalla seconda metà del XIX secolo, il tema della pittura come linguaggio, sintassi, struttura, il restare ancorati alla tradizione dell’immagine e della verosimiglianza li rende apprezzabili da un pubblico molto vasto, che pure non ne conosce fino in fondo segreti e ansie sperimentali.

Qualsiasi mostra sui francesi della fine del XIX secolo funziona. Ma le mostre non sono tutte uguali: ci sono le collezioni a pacchetto, i «da…a» che tanto promettono e poco mantengono, le retrospettive e infine le indagini puntuali, dove filologia e senso dello spettacolo vanno a braccetto. In Italia spesso ci si deve accontentare, e non solo per ragioni di budget, delle prime due tipologie; oltre confine i musei presentano progetti scientifici ed emozionanti dopo studi e indagini durati anni. Non per esterofilia né provincialismo: probabilmente un’ennesima esposizione sugli Impressionisti me la sarei persa, e invece un viaggio alla National Gallery di Londra offre quelle garanzie che uno storico dell’arte pretenderebbe d’obbligo. Dal 9 aprile al 28 luglio settantacinque capolavori di Claude Monet sono esposti alla Sainsbury Wing del gigantesco museo. Le pareti grigie e celesti invitano a uno sguardo davvero inedito su quello che in molti considerano prevalentemente pittore en plein air di paesaggi, mare e giardini. Monet & Architecture ne rivela piuttosto lo sguardo inquieto in rapporto agli edifici delle città che visitava, dei luoghi a lui più cari. Qui coglieva il rapporto tra architettura e spazio, sviluppato da inizio carriera – intorno al 1860 – fino all’esposizione di Venezia del 1912. Parigi, Venezia, Londra rivelano lo sguardo metropolitano e modernista di Monet. Le spiagge di Trouville, le strade di Bordighera, il paesaggio sotto la neve ad Argenteuil mostrano invece un colorista straordinario che affronta già il nodo dello sfaldamento della pittura in chiave, appunto, modernista. Nel 1895 disse: «altri pittori dipingono un ponte, una casa, una barca… io voglio dipingere l’aria che circonda il ponte, la casa, la barca, la bellezza della luce in cui esistono». Tra filosofia platonica e anticipazione dell’arte concettuale, per Monet la pittura ha a che fare con l’idea più che con l’immagine, ecco perché spesso ripete lo stesso soggetto, ponendosi come antesignano della serialità. Liberatosi dalla schiavitù del vero, l’artista può sperimentare più liberamente le nuove frontiere della pittura.

Villaggio e pittoresco; città e modernità; monumento e mistero. Sono le tre sezioni della mostra, curata da Richard Thomson, docente di belle arti all’Università di Edimburgo e supportata da Credit Suisse, tra quadri famosissimi provenienti dai più importanti musei del mondo ed altri di collezioni private, visti assai raramente. Gabriele Finaldi, direttore della National Gallery, sottolinea peraltro che alcune immagini di Monet sono diventate parte dei paesaggi della nostra memoria collettiva.

Architettura, dunque, a partire dal ruolo che giocano gli edifici, chiamati a relazionarsi con gli uomini prendendo vita da essi. L’église de Varengeville identifica un villaggio, il Palazzo del Doge, il Canal Grande, Palazzo Ducale ripercorrono la Venezia ferma al Cinquecento, mentre a Londra esplodono innovazione e industria a partire proprio dai materiali, vetro e ferro, che strutturano le nuove costruzioni. Là dove tutto si fa luce e colore, nelle celeberrime cattedrali di Rouen (1892-94)- qui sette versioni- colte e impresse in diversi momenti del giorno, installate nella stessa sala dei The Houses of Parliament (1904), c’è l’approccio definitivo di Monet al meccanismo della ripetizione e del superamento del soggetto. Una visione ancora capace di togliere il fiato. Architettura, inoltre, in quanto valore emozionale, impressione di sentimenti contrastanti: maestosità, confusione, solitudine, silenzio.

Risultato di lunga ricerca, la mostra riunisce cicli che si erano frammentati: cinque dipinti olandesi intorno al 1870, dieci tra Argenteuil e Parigi dello stesso periodo, la coppia di quadri della chiesa di Veteuil, realizzati nel 1878 è mai esposti insieme. Tra i cosiddetti blockbuster, Tamigi sotto il Westminster (1871), Quai du Louvre (1867), Boulevard des Capucines (1873), Rue Montorgueil per la festa nazionale francese del 30 giugno (1878). Capolavori anche quei soggetti più difficili in cui la pittura ottocentesca non si sottrae alla crisi. Effet de brouillard (1872), dove la nebbia tutto avvolge, cancellando ogni traccia di verismo e giungendo così alla riduzione estrema della tavolozza cromatica, altro indizio di modernità. Molto probabile che la sensibilità che conduce al ‘900 cominci nei pressi di Monet.

Luca   Beatrice

Questo   post   è   dedicato   alla   mia   cara   amica   Adriana   il   cui   blog   è

http://natipervivere.wordpress.com//